The Wombats | Tickets

Starrend auf das Meer, schien Matthew „Murph“ Murphy sich selbst zum ersten Mal zu sehen. Er hatte sich nach „einem verdammt schrecklichen Morgen“ im Sommer mit seiner Familie am Strand wiedergefunden und nahm wirklich die Größe seiner Umgebung wahr: den unaufhörlichen Wechsel der Natur, ihre Zeitlosigkeit und Ruhe.

Er hatte genau in diesem Moment, was er jetzt eine „pilzartige spirituelle Erfahrung“ nennt. „Es war ein Moment völliger Ehrfurcht, aber auch ein Schock“, erinnert er sich. „Es gab diese Offenbarung, dass ich ein Leben geführt hatte, das in meinem eigenen Kopf oder in einer Art Rennhelm gefangen war, mit Scheuklappen. Es war wirklich eine starke Erfahrung. Ich fühlte, als würde ich alles zum ersten Mal sehen, und mir wurde bewusst, wie egoistisch ich war, nicht zu erkennen, wie verrückt die Welt und das Leben sind. Ich war viel zu lange in meinem eigenen Mist gefangen.“ Er fand sich selbst dabei, schwierige Fragen zu stellen. „Warum sind mein Kopf und mein Körper ständig voneinander getrennt? Warum bin ich manchmal nicht in der Lage, irgendeine Form von Schönheit in der Welt oder in anderen zu sehen? Warum erwarte ich, dass die Welt meinem Willen folgt? Warum halte ich nie an und rieche an den Blumen?“

Das Album, das folgt – Oh! The Ocean, das sechste der Wombats und ihr bislang klanglich abenteuerlichstes und melodiösestes – versucht, diese Fragen zu beantworten. Seine anspruchsvollen, zukunftsweisenden Grooves (die Reichhaltigkeit von Death Cab for Cutie kombiniert mit der abenteuerlichen Denkweise von St. Vincent und Tame Impala) beben immer noch mit der Art von bekenntnishaftem emotionalem Ehrlichsein, das die Musik der Liverpooler Band für ihre wachsende junge Fangemeinde genauso kathartisch und nachvollziehbar gemacht hat wie eingängig und verspielt. Hinter der täuschend kuscheligen Fassade der Band hat Murph offen über seine Ängste, Depressionen, ehelichen Probleme und Suchtverhalten gesungen (er ist jetzt „total trocken“); hier legt er seine sozialen Ängste, innere Konflikte, zwanghaften Verhaltensweisen sowie die Dilemmata und Leiden des Lebens in seinem angenommenen Los Angeles offen. Aber, wie bei Murphs Side-Project Love Fame Tragedy in diesem Jahr mit dem Album Life Is a Killer, gibt es auch ein Gefühl des Fortschritts hin zu einer Konfrontation, Akzeptanz und Bewältigung seiner Probleme.

Erfolg kann schließlich das beunruhigte Gemüt durcheinanderbringen. Seit sie 2007 mit ihrem Debüt A Guide to Love, Loss & Desperation und den Hit-Singles „Let’s Dance to Joy Division“, „Moving to New York“ und „Kill the Director“ als führende Vertreter der Indie-Rock-Szene der späten 00er-Jahre auftraten, haben Murph, Bassist Tord Øverland Knudsen und Schlagzeuger Dan Haggis eine unglaubliche Aufwärtsdynamik beibehalten. Das zweite Album von 2011, This Modern Glitch, mit Elektro-Einflüssen, machte sie zu regelmäßigen Top-Ten-Künstlern; 2015 wurde das dritte Album Glitterbug von der TikTok-Generation gefeiert, wobei „Greek Tragedy“ mehrmals viral ging. Mit Beautiful People Will Ruin Your Life von 2018 hatten sie bereits Arenen gefüllt und 2022 mit Fix Yourself, Not the World ihren unaufhaltsamen Aufstieg mit ihrem ersten Nummer-Eins-Album konsolidiert. Headline-Shows im Crystal Palace und im O2 folgten im Rahmen des bisher größten Tourzyklus der Band, der Arenen weltweit umfasste und in Reading 2024 gipfelte, wo die Band ein überfülltes Radio-One-Zelt vor Menschenmengen von 18-24-Jährigen, die nach zwanzig Jahren immer noch ihre Kernzielgruppe sind, anführte.

„Ich glaube nicht, dass ich das verstehe, aber das Zelt war ausgebucht“, sagt Murph. „Es gab keinen bewussten Versuch, klanglich mit der Zeit zu gehen, wir hoffen einfach auf die besten Songs und spielen damit im Studio herum, bis wir aufgeregt sind. Ich versuche immer noch zu verstehen, wie das passiert. Ich denke, wir haben die Körper von 40-jährigen Männern und die Seelen von 13-jährigen Mädchen wahrscheinlich. Aber es ist großartig, dass die Songs immer noch bei neuen Zielgruppen ankommen. Es ist großartig, dass unsere Musik immer noch eindeutig jugendliche Energie hat.“

Oh! The Ocean markiert eine neue Ära für die Band, die sich von den synthetischen Klängen, mit denen sie sich zusammen mit Produzent Mark Crew entwickelt haben, abwendet, um einen wärmerblütigen Ansatz zu verfolgen. Sie nahmen 50 neue Songs im Juli 2024 für sechs Wochen im Echo Park Studio in LA mit dem neuen Produzenten John Congleton (St. Vincent, Wallows, Death Cab for Cutie) auf und verzichteten dabei auf die in modernen Aufnahmetechniken verbreiteten KI-Methoden, um ein viel natürlicheres und menschlicheres Album zu schaffen. „Eines der großen Dinge für mich war, dass es Fehler hatte“, erklärt Murph. „Dass es das Gefühl von drei Menschen in einem Raum, die Instrumente spielen, hatte, ohne etwas zu überperfektionieren und es einfach sein zu lassen. Ich glaube nicht, dass Computer gut für Kunst sind.“

Zu diesem Zweck ließ Congleton die Band jedes Lied in vollständigen Takes spielen, anstatt in kürzeren Abschnitten, und fügte dann ein wenig akustische Nekromantie hinzu. „Er ist ein bisschen ein Zauberer mit Gitarrenpedalen und macht Dinge einzigartig klingen“, sagt Murph. Daher findet man auf Oh! The Ocean Murph, der sich seinen Problemen über ein Sammelsurium frischer Klänge und Genres stellt. Die erste Single „Sorry I’m Late, I Didn’t Want to Come“ zum Beispiel taucht in üppigen tropischen Pop, Falsetto-Funk und futuristische orchestrale Texturen ein, während Murph seine anti-soziale Seite thematisiert, aber auch damit umgeht. „Ich wollte einfach ein Lied über die Fehler des Menschseins und das totale Ungeschicksein machen“, sagt er und spricht damit für den widerwilligen Partygänger in uns allen.

„Blood on the Hospital Floor“, eine Notiz an sich selbst, um Situationen nicht zu dramatisieren („Blut auf einem Krankenhausboden, jeder ist daran gewöhnt“, sagt Murph, „sie wischen es auf und machen weiter“), ist ein treibender Future-Rock-Klassiker, durchzogen mit intergalaktischen Geräuschen, als würde man mit offenem Dach über den Saturn fliegen. „My Head Is Not My Friend“ entwickelt sich von subtilen Alt-Rock-Tönen zu einem packenden Finale, während Murph durch den Kater-Ärger sucht nach „einem verdammt friedlichen Tag“. Und zu glorösem Space-Pop betrachtet „Can’t Say No“ das menschliche Bedürfnis, uns in wilde, oft selbstzerstörerische Erlebnisse zu stürzen, um uns von unserem inneren Schmerz abzulenken. „Wir würden lieber weglaufen, als überhaupt zu fühlen“, singt Murph über in der Songs eskalierende Erlebnisse wie Autodiebstahl, Vandalismus, Fernost-Reisen und Dämonenanbetung.

Während das Album sich entfaltet, erkunden die Bandmitglieder glitzernden Tech-Rock, verschmelzen ansteckenden, knisternden Gitarren-Pop mit dreckigen Hip-Hop-Grooves in „Reality Is a Wild Ride“ und zerren mit „The World’s Not Out to Get Me, I Am“ sogar den futuristischen Fuzz-Rock von Muse an den ersten dokumentierten Ausflug der Wombats in bluesigen Rock’n’Roll. Dabei erforschen sie immer wieder Murphs gespaltene Natur auf der Suche nach einem Heilmittel.

„Ein gemeinsames Thema in meinen Texten und generell in diesen Tagen ist, dass meine Gedanken nicht wirklich in meinem besten Interesse sind“, gibt Murph zu. „95 Prozent der Zeit fühlt es sich an, als wolle mein Gehirn mich runterziehen, und ich muss einfach darauf achten und mich daran erinnern, dass es keine große Sache ist.“ „The World’s Not Out to Get Me…“ scheint besonders seine früheren Suchtprobleme zu behandeln. „Es geht darum, wenn der Eskapismus zu weit geht“, sagt er, „und darum, zurückzublicken auf Orte, an denen mich diese Prozesse, wenn sie nicht kontrolliert werden, verlassen würden.“

Während die Songs immer lyrischer verspielt werden, halten die Klänge Schritt. „I Love America and She Hates Me“ ist ein glänzender Disco-Song über Murphs Liebes-/Hass-Beziehung zu Amerika, mit seinen ehrgeizigen Ambitionen, gespaltenen politischen Ansichten und lockeren Waffengesetzen. „Ich liebe es wirklich, aber es ist so ein wettbewerbsorientierter Ort, dass es sich manchmal wie ein Kampf anfühlt“, sagt er. „Ich mochte die Idee, es als jemanden zu personifizieren, mit dem man ständig im Konflikt steht. Es gibt etwas, das in der amerikanischen Art zu sein eingebaut ist, das Erfolg und Wachstum unterstützt, was in Großbritannien nicht so verbreitet ist. Wir werden dazu erzogen, dieses Zeug herunterzuschlucken, nichts zur Schau zu stellen. Hier wird es mehr unterstützt, wenn du versuchst, Ziele zu erreichen.“

Der gespenstische, epische Pop von „Swerve (101)“ berührt auch die LA-Statusangst („Leute, die auf der Totempyramide nach oben klettern“, sagt Murph), verwoben mit Hinweisen auf Obsessionen, die einen Krisenpunkt erreichen. Und „Kate Moss“ – ein Teil Tech-Noir-Rock, ein Teil Dream-Pop-Glimmern – ist ein Mini-Peyton-Place, das in das wilde Klatschgeflüster aus Murphs LA-Nachbarschaft eintaucht. „Wir haben Traurigkeit hinter unseren Augen, aber wir sehen so gut aus“, singt er und erzählt Gerüchte über Modelpaare, die er kennt, mit verborgenen Geheimnissen. „Es passiert viel“, sagt er. „OnlyFans-Zeug, von dem ich erfahren habe, jeder hat einen Zusammenbruch…“

Zum ersten Mal ist Murph einer der am besten adjustierten in seinem Universum, seine sich entwickelnde Taktik, seinen Problemen direkt zu begegnen, wirkt am Ende Wunder. „Auf meiner Reise in dieser Band habe ich gelernt, den Kugeln entgegen zu rennen, anstatt sie zu umgehen oder etwas anderes zu tun, als das Problem direkt anzugehen“, sagt er. „Es ist gut fürs Leben im Allgemeinen. Es ist ziemlich grauenhaft für zwanzig Jahre, aber dann fühlt es sich großartig an.“ Und die Ergebnisse auf Oh! The Ocean sind genauso lohnend: eine Linie im Sand, von der die Wombats in eine reifere neue Phase sprinten. Es ist an der Zeit, sie in neuem Licht zu sehen.

Die Wombats-Tickets sind auf Ticketmaster erhältlich.